作曲な日々。。。 Life in Writing Music

作曲を勉強する上で、和声や対位法などの理論の学習のみならず、偉大なる先人たちが残した作品を分析し、それらの作品から、技法だけでなく、音楽の神髄と申しましょうか、音楽の奥深さを学ぶのも大切だと思います。 私が学んでいたカナダの王立音楽院の楽曲分析のクラスでは、主に、バッハ平均率クラヴィーア曲集、ベートーヴェンのピアノソナタ、シューベルトの歌曲、および現代作品を分析していきました。１回の授業で最低２〜３曲は取り上げるので、予習が大変でした。 現代作品の分析では、クラスを担当している先生ご自身が編集したテキストを使用しました。現代音楽で用いられている素材（全音音階、五音音階、旋法、クラスター、四度和音など）を含む小品が掲載されていて、どの曲に、どのような素材が、どのような手法で用いられているかを分析していきました。 下の写真はその時に使用したテキストです。 piano miniatures,  Stephen Satory,  chorale publishing テキストには、バルトークやプロコフィエフの小品に混じって、先生のオリジナル作品が含まれていました。私もいつかこのように、自身の作品を含むオリジナルテキストを用いて、楽曲分析を教えてみたいと思ったものです。 ところで、日本では、邦訳されたものも含めて、現代音楽作品の分析法について扱った本はあまり見かけないように思います。代表的な作曲家の作品を解説したもの、音楽史的なもの、読み物的なものは結構あるのですが、現代作品を読み解く上で、どのような音楽的素材がどのような手法で用いられているのかを探るための、基本的なアプローチ法を扱った本は少ないように思います。また、出版されても、「現代音楽＝難解、意味不明」と敬遠されがちで需要も少ないのか、すぐに絶版となってしまうケースが多いようです。 でも英語圏では、日本とは比べようもないくらい人口が多い分、現代音楽に対する需要も多く、現代音楽の「しくみ」を扱った本がたくさん出版されています。 中でも、カナダで師事した作曲の先生から薦められた↓の本「Materials and Techniques of Twentieth-Century Music」は、現代音楽の手法がコンパクトにまとめられていて、一通りのことを学ぶには、丁...

以前、このブログで、対位法のテキストを、いくつかご紹介しました。 → 【対位法の勉強】 対位法の勉強については、 難しい！ 眠くなる 課題を解くのが面倒 などという声をチラホラ聞きます。 確かに、作曲家を目指す人にとっては、必要不可欠な科目ですが、演奏家にとっては、少々（いや、かなり！？）とっつきにくいというか、敬遠されがちな科目の一つでしょう。 対位法の勉強というと、机上で課題を実施することに終始しがちですが、 ピアノ作品を弾きながら、体得・体感 することをオススメします。 何と言ってもオススメの作品は、 バッハ の「 インベンション 」 です。 中でも、 第 ４番 （d moll）、 第 ８番 （F dur）、 第 14番 （B dur）は、比較的取り組みやすいと思います。 これらの曲は、演奏テクニックもそれほど高度なものは要求されませんし、主題の反復や反転、反復進行（ゼクエンツ）、転調などの構成についても、わかりやすいと思います。 個人的には、 第 ６番 （E dur）が気に入っています。↓ 主題と対主題とが順次進行による反行で始まり、シンコペーションによってリズムを「ずらす」テクスチュアーが、とても面白いと思います。曲が進んでいくと、主題と対主題が反転してあらわれたり、大胆な跳躍も含まれていたりなど、右手と左手の旋律が互いに共存・競合していて、対位法の妙味あふれる曲の一つだと思います。 参考音源→ こちら バッハのインベンションは少しハードルが高いと感じる方は、 バッハの「 アンナ・マグダレーナのためのクラヴィーア曲 」 から抜粋して弾いてみるのも良いでしょう。 ↓は、その曲集の中で最も知られている曲の一つ「メヌエット」です。 また、 モーツアルトの初期の作品 もオススメです。 KV 番号の10番台くらいまでの、少年時代に作曲したと伝えられている小品です。 なーんだ、子どもの頃の作品か〜と侮るなかれ！ どれもが音楽的に完成され、かつ愛らしい作品です。 当時、少年モーツアァルトは、対位法もしっかりと学んでいたでしょうから、その学習の成果が随所にあらわれているのでは？誰しも、習得したことは作品に取り入れてみたいと思うでしょうから。 ちなみに、↓は、「 メヌエットKV...

以前、このブログに、和声の勉強法について、 課題を解くことによって、美しい和声進行とはどのようなものか学ぶのも良いのですが、私のおススメは、 バッハのコラール を毎日１曲ずつ、じっくり弾くことです。市販の コラール集 371曲を順に弾くも良し、同じ旋律の曲（調は異なっていますが）をピックアップして、和声付けの違いを弾き比べるも良し、、、 と、書きました。→ 【和声の勉強について再び】 もちろん、今もその持論はブレていないのですが、コラールは、和声課題のように、ほぼ、ブロックコードで進んでいますので、「縦」の響きや、和音間のつながり、各声部の動きに対しての美的感覚は身につくものの、主旋律をサポートしながら響かせるハーモニー感を身につけるためには、やはり、実際の曲を弾くことが一番だと思います。 私のオススメの曲集は、、、 ピアノ学習初級レベルでしたら、「 ブルグミュラー25練習曲 」かな？ 第１番 は、ハ長調という最も基本的な調で書かれているので、取り組みやすいです。しかも、概ね、右手は旋律を、左手は和音を弾く構成になっているので、旋律＋和音伴奏のカタチを学ぶ入口として最適だと思います。 この第１番は、冒頭から左手は I-IV（２転）-I-V₇ （１転）という最も基本的な和音進行を弾くようになっています。この和声の中で、旋律がどのように響いているのか、あるいは、旋律をどのように描いたら良いか、を弾きながら体感できるのではないでしょうか。 また、この曲では、ハ長調の主要三和音のみならず、ドッペル・ドミナントや準固有和音などの借用和音も使われていますので、応用的な和声学習も可能です。どのタイミングで和声の「色」を変えるのかという実践的な和声の学習にピッタリだと思います。 私はこの第１番を、初歩の和声分析課題あるいは楽曲アナリーゼの教材として取り上げています。 第１番を学習した後は、第２番でハ長調の平行調イ短調、第３番で属調のト長調、第５番で下属調のヘ長調、、、というように、ハ長調の近親調とその和声を学んでいくことができます。 どの曲も、その調の主要三和音をベースに、ちょっとだけ借用和音が用いられています。旋律への和声付けのヒントがたくさん得られると思います。 また、第７番では属調への転調、第９番では平行調への転調が含まれ...

弦楽アンサンブルのために編曲したシューベンルト作曲「魔王」を演奏していただきます。 日時：2017年7月23日（日）14:30〜 会場： 長久手文化の家 森のホール 歌は、日本を代表するバス歌手の戸山俊明先生。 愛知県立芸術大学の副学長も勤めていらっしゃいます。 弦楽アンサンブルは、愛知県立芸術大学音楽学部卒業生を中心に結成されている「 長久手フォレスト合奏団 」の皆さんです。 先日リハーサルの様子を録音したデータを聴かせていただきましたが、もう、ただただ感嘆！の一言です。 録音でこの迫力と表現力が伝わるのですから、生演奏はいかばかりかと、今から本番を楽しみにしています。 お近くにお住いの方、ご興味ある方、ぜひぜひこの素敵な演奏会にお越しくださいませ！

さて、このブログのアクセス数も、おかげ様で徐々に増えて参りました。 お読み下さっている皆様、どうもありがとうございますm(_ _)m 中でも、和声に関するページヘのアクセス数が半端なく、、、皆さん和声の勉強法や取り組み方について、いろいろと試行錯誤していらっしゃるのかしら、と想像しております。 自身のことを振りかえってみても、また、指導する立場になってからも、つくづく思うのは、和声の勉強というと、とかく課題をこなす（しかもバス課題がほとんど）ことのみに多くの労力を費やしがちということです。 しかし、 課題を解いただけで勉強した気になってはいけませんよー 、とご忠告申し上げたいです。五線紙上だけの「作業」になっては、決していけません！ 大事なのは、規則に則して正しく音を配置することではなく、美しい響きを体と心にしみ込ませること、 和音の動き一つ一つに敏感になること 、 あらゆる音に対して良く耳を澄ますことができるようになること 、だと思うのです。 課題を解くことによって、美しい和声とはどのようなものか学ぶのも良いのですが、私のおススメは、 バッハのコラールを毎日１曲ずつ、じっくり弾く ことです。市販の コラール集 371曲を、順に弾くも良し、和声付けの異なる同じ旋律の曲をピックアップして響きの違いを弾き比べるも良し、、、 バッハのコラールを弾くだけでも和声を体感するのに十分有益ですが、さらに、その中からいくつかピックアップして分析してみると、より勉強になります。 「分析」というと、これまた和音記号を付けただけで分析した気になってしまいがちですが、、、 内声の動きはどうなっているか 、 どのような手順で転調されているか 、 非和声音によってどうのように旋律が装飾されているか 、などに着目し、バッハが、シンプルな単旋律からなる賛美歌を、どのように「アレンジ」したかを、一つ一つひも解くような姿勢で取り組むと、知らず知らずの内に、豊かな和声感や声部書法の「技」が身についていくと思います。 和声の勉強にとって、バッハのコラールは最上の教科書 、お手本だと思います。ぜひお試しになってみて下さい。 なお、私が行っております和声オンラインレッスンでは、バッハのコラールを採り上げ、その和音進行や各声部の進行について学習しています。 実際、 バッ...

新曲の創作のために、もう一度、対位法の勉強をすることにしました。 私が勉強したのは、主に17〜18世紀のスタイル。すなわち、バッハの作品に代表されるような和声的、調性的な対位法でした。 今回は、ルネッサンス時代の旋法による対位法を学びたいと思っています。 古典派〜ロマン派の時代は、対位法を駆使したポリフォニー的な楽曲より、旋律に和声を付けるホモフォニックな楽曲がより支配的でしたが、シェーンベルクやバルトークなど20世紀以降の作曲家の多くは、再び対位法の技法に目を向け、自らの作品に取り入れていきました。19世紀後半で和声書法は行き着くところまで到達、もはやこれ以上の発展は望めないとし、ルネサンス時代の対位法による「過去」の書法を、逆に「新鮮なもの」として受けとめていたようです。 「 20世紀の対位法 」（ハンフレー・セアール著、水野久一郎：訳、音楽之友社）に、上記のことが説明されているのですが、残念ながら絶版のようです。音楽大学等の附属図書館には蔵書されていると思いますので、ご興味ある方は足を運んでいただき、ぜひご一読ください。この本については、当ブログ【 絶版の音楽書を求めて〜古本屋めぐり】 もご覧ください。 と、いうことで、新たに 「 パリ音楽院の方式による厳格対位法 」（山口博史：著、音楽之友社） という本を購入。以前に購入したまま、ほとんど手つかずだった 「 パレストリーナ様式による対位法 」（ホセ・I ・テホン：著、音楽之友社） とともに、しばらくは「厳格なる」対位法の世界に浸りたいと思います。 ところで、上にも書きましたが、私が学んだのは、17〜18世紀の対位法でした。バッハの作品を中心に、ヘンデル、パッヘルベルなどの作品から二声〜四声による旋律書法や、模倣による作曲法を勉強しました。 日本で勉強しているときは、師の指導を受ける一方、いくつか市販テキストを購入しましたが、課題の実施例が載っていないものが多いので自習はムリと判断、、、だったら、実際の曲から学ぼう！ということで、バッハのインヴェンション、シンフォニア、平均率クラヴィーア曲集などを弾いて、分析していきました。 特に平均率クラヴィーア曲集は、何度も何度も楽譜を開いては、弾きながら書き込みをしていったので、↓のように表紙、背表紙ともボロボロに... ...

作曲を学ぶ上で、和声と対位法の勉強は必須です。 私も、↓のテキストで和声を勉強しました。いわゆる「芸大和声」です。 和声−理論と実習,  島岡譲ら、音楽之友社 当時のことを振り返ってみると、第 I 巻や II 巻を勉強していた頃は、禁則を暗記し、禁則を犯さないようひたすら「課題を解く」だけだったような気がします。 本当に和声の勉強が面白くなったのは、第 III 巻に入ってからでした。 第 III 巻になると、 借用和音 や 偶成和音 、 転位 などが出てきて課題も音楽的になり、さらに、フーガの小品を作曲する課題も含まれているので、学習の達成感も感じられるようになりました。 しかし、 III 巻に至るまでの道のりが、長い！ そして、説明がムズカシイ！ 作曲を勉強している人は、目標があるので、最後まで頑張り抜こうと思えるでしょうが、そうでない人、つまり、ピアノや弦・管楽器などの実技専攻生にとっては、「和声の勉強って、こんなに難しいんだ」と苦痛に感じ、途中で諦めてしまうのでは？ 和声全般の勉強は、作曲家を志す人のみならず、全ての音楽家にとって必須だと思うのですが、このシリーズ以外の和声のテキストを見ても、難解なものばかり。これでは、和声の勉強が「特別なもの」、と敷居が高くなってしまうのは、しかたないですね。 日本の「事情」しか知らなかった頃は、↑の写真のテキスト、または、これに準じたテキストで勉強するのが当たり前のように思っていたのですが、カナダに住んでみて、その常識はすっかり覆されました。 当地の和声テキストは、学習者の年齢や目的に応じて、種類がとても豊富でした。中には、とても簡潔でわかりやすく、取り組みやすく編集されているものも多くありました。 やはり、英語圏の人口は日本とは比べようもないほど多いので、その分、需要もあるためでしょう。様々な和声のテキストが出版されていて、それらの中から、自分に適したものを選ぶことができます。 ところで、私が学んでいたカナダの王立音楽院では、早い時期から和声の勉強を始めています。↓は、低年齢（中学生ぐらいまで？）の生徒のための和声のテキストです。 私は、その音楽院では和声クラス上級クラスで学んでいましたが、最初の頃は、上級クラス指定のテキ...

子どもたちの弦楽アンサンブル（Vln & Vla）のために、「真田丸のテーマ」を編曲し、この夏に演奏していただきました。 演奏してくださったのは、「長久手ストリングスハーモニー」の皆さん。 愛知県長久手市在住のヴァイオリニスト・横田真規子先生がご指導している小学生〜大学生によるアンサンブルです。 はっきり言って、レベル高いです！(^^) 熱演をお聴きください。 編曲中は、はたしてこんな難しいフレーズを子どもたちが弾けるのかな〜などと、思いながら進めていました。でも、もし演奏が困難なようだったら、あとから易しくしてあげればいい、まずはなるべく原曲のイメージをそこなわないようにしようと思い、仕上げていきました。 ところが、そんな心配は全く無用でした！ 皆さん、初稿通り、まったく改訂なしに演奏してくださいました。 お見事です！ オーケストラ作品をヴァイオリンとヴィオラの編成用に編曲するためには、ちょっとした工夫が必要です。 ヴィオラの最低音が中央「ド」の１オクターブ下ですから、オーケストラ全体の音域に比べて、低音域が著しく足りません。ですので、オーケストラ用の楽譜をそのまま割り当ててしまうと、低音パート楽器による「どっしり感」に欠け、希薄なイメージになってしまいます。 その問題を少しでも軽減するため、私は、低音域の和音を、ヴァイオリンパートの高い音域に移し替え、音域の広さをカバーしてみました。 また、可能な限り和音の厚みを出すために、つまり、同時に鳴らす音をできるだけ多くするために、通常は、ヴァイオリンセクションは、第１ヴァイオリン１と第２ヴァイオリンというように、２パートに分けるところを、３パートに分けてみました。したがって、第３ヴァイオリンもあるのです。 １パートの人数は少なくなりますが、ヴィオラを含めると４パートに分かれて演奏することになるので、弦楽四重奏のイメージに近くなり、広がりのある音の配置が可能になりました。 また、今回は、ジュニアのための編曲ということで、どのパートも等しく、主要な旋律を担当するよう配慮しました。つまり、必ず、どこかで「目立つ」フレーズを演奏できるよう工夫しました。 低音域の楽器がないからといって、ヴィオラがいつもバスラインだけを担当していたら、練習のモチベーションも上がり...

メンデルスゾーンの作品を編曲するお仕事をいただいたので、この機会にメンデルスゾーンについて少しばかり書いて（呟いて？）みようと思います。 メンデルスゾーンの作品との出会いは、「 ヴァイオリン協奏曲 ホ短調 作品64 」。 確か、小学校高学年か中学１年生の頃だったように記憶しています。 なんて美しいメロディなんだろうと、とても印象深かったことを覚えています。 その後、中学３年生の時、ピアノの発表会で「ロンド・カプリチョーソ作品14」を弾くことになり、あのメンデルスゾーンの曲だ〜と大喜びするとともに、大変光栄に思ったものです。 ところが、この 「ロンド・カプリチョーソ」、当時の私にとってはちょっとハードルが高い曲でした。高校受験も重なったこともあって精神的に不安定だったのか、 練習してもなかなか思うように上達せず、発表会本番の出来は今ひとつでした。 以来、それがトラウマになったわけではないでしょうが、あまりメンデルスゾーンの曲を弾く機会はなかったように記憶しています。 大人になってピアノを指導するようになり、有名な 「無言歌集」 から抜粋して生徒にレッスンする度に、こんなにも美しいメロディを書く作曲家だったのだ と、前出の ヴァイオリン協奏曲を初めて聴いた時の感動を思い出しています。 この 「無言歌集」は、 文字通り歌詞のない「歌」です。 和声付けの勉強にもなりますよ〜。

昨日、テレビ朝日系の音楽番組「題名のない音楽会」に、NHK「あまちゃん」の音楽担当で一躍有名になった大友良英さんがご出演になり、「大友良英を作った３曲」とうテーマで、 大友さんご推薦の楽曲が紹介されました。詳しくは こちら しかしながら、それらのどれもが「 ノイズ・ミュージック 」だったので、大友さんだけが大ハシャギで、司会の指揮者・佐渡裕さんや女性アナウンサーは、？？？（チンプンカンプン）であった様子がツイッタ―などで話題になったとか、、、 と、いうことで、二番煎じではありますが、私が影響された３曲について記したいともいます。 以前の投稿「 心が折れそうになった時... 」でも、落ち込んだ時に弾く曲として３曲挙げましたが、「３（三）」という数字は、良く用いられますね〜。 「ベートーヴェン三大ピアノソナタ」「ドイツ三大B」「世界三大テノール」などなど、、、 音楽界以外でも「三大美人」「仏の顔も３度まで」「三顧の礼」、、、 あ、余談でした。 話は元に戻って、では、私にとって「きっかけとなった３曲」って何だろう？と振りかえってみました。 まずは１曲目 バッハ作曲《半音階的幻想曲とフーガニ短調》 この曲は 「 心が折れそうになった時... 」でも挙げています。 もともとバッハの作品は好きで、子どもの頃、 周りの ピアノを習っている子の多くが「嫌い」「面白くない」「難しい」などと言って「嫌々」弾いていたインヴェンションも楽しく（笑）弾いていましたが、この曲を聴いた時、「なんて深い曲のなどろう」と、さらにバッハが好きになりました。そして音楽ってなんて素晴らしいのだろう、もっと音楽のことが知りたい！と、生涯、音楽と付き合っていこう、と思ったものです。 その頃は、この曲を弾くテクニックはなく、ただ聴くのみでしたが、やがて自分でも弾けるようになると、楽譜に書かれた一音一音が、まるで天からの声のように心の奥深くまで響き渡ってくるのを感じました。私にとってこの曲は、バイブルといっても過言ではありません。 ２曲目は、シェーンベルク作曲《浄められた夜　作品４》 この曲との出会いは、楽器店で偶然見つけた↓のCDです。 ピエール・ブーレーズ指揮ニューヨーク・フィルの演奏（1973年）です。 当時は、シェーンベルクもブーレーズも知らな...

注文していたプーランク作曲「子象のババールのお話」のピアノ譜が届きました。 ゾウが主人公の絵本に音楽を付けるお仕事を戴いているので、参考にしたく、購入しました。 輸入楽譜なので、当然、中身はフランス語〜 ストーリーを知っているので、だいたいは予想はつきますが、、、 これを機に、もう一度、フランス語を勉強し直そうかな、、、などと、、、ちょっと思っただけで、きっと実行しないでしょう（汗） で、早速、弾いてみました。 オーケストラヴァージョンのCDは持っているので、音楽はイメージできているのですが、ピアノで弾くのは初めてでした。弾いてみると結構ムズカシイ！ オケがやっていることを一人でカバーしなければならないので、大変なのは当然ですが、こんなに音が重なっていたのですね〜。あらためてピアノ譜を見て発見できることって、多いですね。 お話は子ども向けですが、音楽はプーランクそのもの（当たり前ですが、、、) フランス音楽特有の和声が、ファンタジーの世界を創り出しています。お洒落で、味わい深い、、、 絵本に付ける音楽というと、子どもっぽいというか、アニメの主題歌っぽいというか、そのような曲が多いけれど、やはり、この「子象のババールのお話」のように、芸術性あふれるものを目指したいと思います。